Член Союза писателей Москвы. Автор одиннадцати книг поэзии и публицистики. Стихи переведены на 62 языка. Композиторы из России и других стран написали более ста песен на ее стихи. Лауреат конкурсов песни, конкурса «Серебряный голубь России 2016» и др. литературных премий.
Член жюри Международного Грушинского Интернет-конкурса и президиума Международной Грушинской Академии.
Живёт в Подмосковье.
Продолжение. Начало в №6
Содержание
Она боролась
Парусная регата на море…Праздник ветра, наполняющего паруса. Праздник свободы и простора, скорости и мужества…
На Балтике с 1956 года проводится такой фестиваль парусников, и по традиции победителю вручается переходящая награда – серебряная модель легендарного клипера «Катти Сарк». История этой преданной морю «англичанки» удивительна.
Клипер был построен в 1869 году в Шотландии. Его имя переводится с языка кельтов, как «королевская рубашка» — такое прозвище было у ведьмы Нэнси, героини стихотворения Роберта Бернса. Нэнси имела обыкновение гулять с обрезанным конским хвостом в руке, поэтому нос парусника украсила женская фигура со зловещим выражением лица, сжимающая в руке пучок конских волос. Длина парусника 64,5 метров. Высота гротмачты от палубы до клотика – 44, 5 метра. При создании судна ставилась цель достижения максимальной скорости. Его владельцы надеялись на победу в «чайных гонках» — так назвали в те годы соревнования быстроходных парусников на линиях перевозчики чая.
Прекрасной «Катти» не суждено было победить других «гончих псов океана», но она смогла стать легендой, и её именем назвали приз за победу в соревнованиях парусников, а именно она была поставлена на почётную стоянку в Гринвиче, и именно она стала национальной реликвией. Как объяснить такое внимание и преданность англичан не к кораблю-победителю, а к неудачнику? Наверное, можно ответить кратко: «Она боролась!»
Всё было у клипера для победы, но всегда что-то мешало, вмешивалась непредсказуемая стихия. На одной из гонок дважды ломался руль, а ведь именно в ней «Короткая рубашка» уверенно лидировала на старте, а из-за поломок пришла последней…
Но «Катти» не покорялась: Нэнси упрямо размахивала конским хвостом, разметая незримые преграды в океанских волнах. Более пятидесяти лет клипер неутомимо бороздил океан, преодолевал водное пространство от Лондона до Сиднея, и даже ходил в кругосветное плаванье. В штормы терял мачты, был на волосок от гибели, менял имена и владельцев, чинил в портах такелаж и рангоуты, обновлял паруса. Но вновь и вновь выходил навстречу волнам в океан.
И ещё было удивительное и прекрасное в непростой, но всё-таки счастливой судьбе «Кати Сарк» – это любовь. Был человек, который любил её всю жизнь. Капинан Доумен, когда-то плававший под на ней, случайно увидел через много лет свою «Катти», «постаревшую», но не утратившую гордую осанку мачт и чистоту парусов. Он узнал её под другим именем и уже не смог с ней расстаться. Капитан выложил все свои деньги, чтобы выкупить парусник. Он сделал это для неё! После смерти благородного капитана его супруга подарила парусник Морскому колледжу. С 1954 года «Катти Сарк» стоит на берегу Темзы в Гринвиче как памятник всем отважным парусным кораблям…
Майской ночью 2007 года на «Катти Сарк» свалилась ещё одна беда – на борту парусника, ставшего музеем, вспыхнул пожар. Пламя быстро охватило весь корабль и, казалась, гибель его была предрешена. Но «Катти» выстояла! Она вышла из этой схватки обугленная, потерявшая большую часть палубы, искорёженная огнём, но – живая. Она боролась… Она борется.
Основные характеристики «Катти Сарк»:
Водоизмещение: 2133,779 тонн при осадке 6,1 м
Длина полная: 85,4 м Длина корпуса: 64,8 м
Ширина: 11 м Осадка: 6,1 м
Высота грот-мачты от главной палубы до топа: 46,3 м
Общая площадь парусов: 2980 м² 3 мачты
Скорость — 17,1 узла;
Экипаж — 35 человек;
Лики на сердоликсе
Камея Гонзаго – драгоценный экспонат зала античных гемм Нового Эрмитажа. Какую тайну скрывают слои сардоникса, ставшего носителем тонких и нежных ликов? Чьи профили так одухотворили прекрасный камень?
История камеи уходит в глубины третьего века до нашей эры. Более двух тысяч лет тому назад в Александрии вырезал ее из арабского сардоникса неизвестный гениальный мастер. Минерал этот не встречается в Египте и попал туда после походов Александра Македонского. Искусство глиптики (резьбы по драгоценному камню) с привлечением многослойного минерала расцвело в Александрии необычайно. Камень этот позволял мастерам давних веков, раскрывая все грани их таланта, изысканно воплощать замыслы. Встречаются сардониксы, состоящие из восьми слоёв. Индийский сардоникс славится своей тёплой медово-коричневой палитрой. А у арабских камней слои более холодных тонов: белый, переходящий в иссиня-белый, серо-голубой, коричневый, темно-коричневый. Древний скульптор мастерски использовал природные возможности камня, игру оттенков, переходов из слоя в слой. Кажется, он вдохнул в него жизнь и создал даже не трёх-, а четырёхмерное изображение, где присутствует время судьбы его персонажей.
Чьи же лица запечатлены на века в многомерном сардониксе? Споры на эту тему не утихают до сих пор. На античных камеях чаще изображались персонажи мифологии, а камея Гонзаго – это портрет. И не просто портрет, а икона. Как доказали российские учёные (в особенности М.И. Максимова, использовавшая типологический принцип в иконографии), изображены на камее египетский царь Птолемей IIи его жена Арсиноя. Ещё при жизни они были обожествлены и пользовались каким-то особенным расположением современников и потомков, судя по тому, что их изображения долгое время не сходили с монет и перстней. Прекрасная Арсиноя была не только второй женой Птолемея, но и его сестрой. В Египте были приняты такие царственные браки. Придворный поэт Феокрит, льстя им, писал: «Всею душою она любит его – и брата, и мужа. Так же священный свой брак заключили владыки Олимпа».
Действительно, божественные олимпийские супруги Зевс и Гера были братом и сестрой. Царь Птолемей пережил и вторую свою жену – Арсиноя умерла раньше. Камея создавалась ещё при жизни, но в ней уже был заключён тайный знак скорого ухода царицы. Ее будто коснулось дыхание небытия—голубой слой сардоникса, выбранный скульптором для лица Арсинои, предрекал хрупкость её жизни… А белоснежно-яркий лик царя, увенчанный коричневым шлемом и лавровым венком, подчёркивал его жизненную силу и власть.
Название, под которым камея известна сейчас во всем мире, связано с именем герцогов Гонзаго. Засвидетельствована эта вещь впервые в XY веке в описании имущества умершей Изабеллы Десте, герцогини Гонзаго. Тогда камея была оправлена в золото. Именно золотая оправа привлекла внимание захватчиков Мантуи, когда в 1630 году ее штурмом взяли немецкие войска. Тогда камея сильно пострадала, мародёры разбили ее пополам. (Если внимательно всмотреться, то можно заметить на гемме «шрамы от ран», причинённых войной, но заботливо залеченных реставраторами.) С тех пор камее Гонзаго надолго суждено было стать военным трофеем. Она переходила от одного победителя к другому, пока не оказалась во Франции у бывшей жены Наполеона —Жозефины. Но Франция, стараниями своего императора, пополнила когорту поверженных стран.
В конце лета 1814 года Жозефину посетил Александр I. Они гуляли по парку и миролюбиво беседовали. От русского царя бывшая императрица побеждённой Франции получила заверения, что ей будут оставлены все богатства. И дворец Мальмезон, и замок на севере Франции, все коллекции и драгоценности. Жозефина, растроганная благородством победителя, подарила камею Гонзаго Александру. Осенью 1814 года вместе с возвращающимися на родину войсками камея попала в российскую столицу. В Зимнем дворце она пополнила коллекцию гемм Екатерины II, а вскоре после открытия Нового Эрмитажа – украсила (в 1855 году) музейную экспозицию зала майолики.
Сегодняшнее своё место – в витрине красивейших в мире античных гемм – камея Гонзаго покидает очень редко. Для демонстрации ее на выставках в других странах необходимо как-то оценить этот шедевр, назначить какую-то страховую сумму. А что можно записать в графе «цена» для нее, преодолевшей тысячелетия? Бесценна…
Цвет утренней зари
24 октября 2023 года исполнится 145 лет со дня рождения русского художника Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина (1878 –1939). Путь к творческому наследию художника продолжается, до сих пор его искусство не оставляет равнодушными зрителей, порождает новые споры, новые трактовки сюжетов картин и новые догадки о тайнах, зашифрованных в цветовом ряде его полотен…
Петров-Водкин родился в городе Хвалынске, на Волге. Незаурядные способности к рисованию обнаружились у него уже в детстве. И он неустанно учился рисовать – у всех, всегда и везде, подтверждая истину: «Талант – это труд». Совсем мальчишкой ещё наблюдал он в старообрядческих скитах под Хвалынском за работой старцев-иконописцев. Было юношеское время учёбы в мастерской вывесок. Известный искусствовед Виктор Липатов в книге «Краски времени» в главе о художнике приводит забавный случай: «Ещё в школе с ним случилась курьёзная история. Такими славились в прошлом известные живописцы. Хваля Лукаса Карнаха Старшего, современник написал о том, как однажды Карнах нарисовал виноградную кисть –прилетела сорока и начала её клевать. Будучи школьником, Петров –Водкин нарисовал на листе дыру, и все приняли её за настоящую…»
Все, писавшие о художнике, отмечают его недюжинную работоспособность. Он учился жадно, впитывал всё лучшее, что было сотворено в живописи до него. В Петербурге и Москве, в Милане, Флоренции, Риме, Неаполе, в Париже. В ранних работах Петрова-Водкина заметно влияние его учителей, его «маяков» в океане мировой живописи. В парижском цикле 1907 года – явный «налёт» импрессионизма, аура Дега, Тулуз-Лотрека, Мане, Ренуара (картины «Натурщица», «Кафе», «Театр») и, конечно, Матисса. Из постимпрессионастов этот художник, на мой взгляд, оказался наиболее близок Петрову-Водкину – по отношению к цвету, по динамике изображения и устройству мизансцен. Достаточно сравнить «Танец» Матисса и «Играющих мальчиков» Петрова-Водкина.
Вероятно, в поисках своего стиля он как бы влюблялся в картины своих учителей. Наверно, поэтому в очаровывающим своим нежным колером натюрморте «Астры» – цветовая гамма сродни палитре Боисова-Мусатова и Серова. А вот у своего друга Бориса Кустодиева он как будто и не взял ничего, но это – кажущееся различие. Многолетняя дружба живописцев не прошла даром. Они, бывало, ссорились, но их мирила музыка, которую обожали оба! И Кузьма играл для Бориса на скрипке любимые сонаты Моцарта… Это было прекрасно!
И всё-таки их объединяла не только любовь к музыке, а нечто неуловимое, но очень важное – неугасимый интерес ко всему окружающему миру и любовь к жизни. Поиски своего стиля для Петрова-Водкина были одним из проявлений этой любви – так важно художнику найти способ самовыражения, метод познания красоты жизни и пространства-времени. Но «ищущий да обрящет»! Уже к 1910 году Петров-Водкин почти вплотную подходит к «себе самому» – к тому художнику, которого мы узнаем теперь с мимолётному взгляда на полотно. Он пишет картину «Сон». Она загадочна и, в тоже время – проста, и цветовая гамма состоит из любимых «петровских» колеров. От сна оставался один шаг до знаменитого «Купанья красного коня», один шаг до вечности, до самого себя…И Петров-Водкин его свершил.
В 1912 году появилось это полотно, которое до сих пор не даёт покоя искусствоведам и эстетам, а ценителям живописи дарит настоящее наслаждение. Для многих эта картина символизирует приближающуюся революцию, они ощущают тревожность в соотношении фигуры хрупкого мальчика и мощного коня, а его окрас – апофеозом тревоги. Сам художник считал картину символом предчувствия перемен.
У меня есть своя расшифровка красного цвета в картинах Петрова-Водкина. Красный – всегда считался цветом жизни, это цвет крови. Для художника он символизировал торжество жизни, он появляется во всех картинах, где Петров-Водкин, как художник-мыслитель, говорит нам о вечности жизни, о её непобедимости и надежде на возрождение из любых руин и пепелищ. Красный конь на рассвете с юным седоком, мать в красной юбке с младенцем на руках, красное покрывало в колыбельке спящего ребёнка, красный фон натюрморта с яблоками…
Цвет становится соучастником передачи философской концепции от художника – зрителю. Вглядимся в сине-серый фон портретов и автопортретов. Что таится в этой холодной синеве, обрамляющей лицо поэта Ахматовой и лицо самого художника? Холод и непонимание окружающей среды?
А при взгляде на «Натюрморт с селёдкой» вспоминаются строчки Маяковского:
Страну, с которою вместе мёрз
вовек разлюбить нельзя…
И «с которой вдвоём голодал…» А селёдка на картине – золотая, она будто светится, рядом картофелины, кусок чёрного хлеба – а они из яшмы, что ли? Драгоценные они. Более точного свидетельства о голодных годах гражданской войны и не надо – в картине сказано всё.
В полотнах, посвящённых темам перелома – гражданской войне — художник достигает максимальной афористичности и мудрости. Ему подвластно всё – и пространство, и время, и сущность происходящего удаётся выразить кистью и палитрой. Картина «После боя» — два пласта времени – одна трагедия… «Смерть комиссара» — созданное им сферическое пространство и люди в нём – панорама сражения, победы, гибели и неумирающей надежды.
«1918 год в Петрограде» — холодные стены домов, на продуваемом всеми ветрами улицах города (вспомним Блока – «Двенадцать»: Ветер, ветер, на всём белом свете…)кучка то ли митингующих, то ли отправляющихся что-то реквизировать у «буржуев». А на переднем плане – Мадонна с младенцем, образ матери, оберегающей самое дорогое, своё дитя, новую хрупкую жизнь… Что будет с ними в этом холодном городе, в этом жестоком мире?
Раньше было принято писать, что Петров –Водкин принял революцию. Ему просто досталось такое время для жизни. Он его не выбирал, он в нём жил – мучился, любил, рисовал…
В последние годы жизни что-то изменилось в его картинах. Как будто надоели ему собственные найденные в муках оригинальные приёмы. Он уже всё понял в жизни, обо всём нам поведал. И пусть теперь просто лежит на столе гроздь винограда, пусть светится солнцем сок в каждой ягоде, а рядом – яблоко с розовым бочком, впитавшим цвет утренней зари.
——————— оОо ———————-